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昆明艺术照拍摄 之 如何看待商业与艺术的关系？
近期进入了一家创业的互联网企业做影视项目经理，同事和**会把情怀挂嘴上，追求艺术上的创作，但是往往纠结于某些细节，导致拖了商家的影片整整一个月，大家都沉浸在作品出来的喜悦时，我提出质疑：既然是商业行为，就要按照承诺的时间之内把片子做好，不可毫无底限的去追求所谓的艺术。但是同事觉得我太社会化了，大家怎么看？
要说的是，艺术与商业并非水火不容，它们是互惠互利，你中有我，我中有你的关系。

首先艺术商业化，指的便是艺术的流通。其中包括艺术品流通，艺术家流通，艺术观念流通和艺术机构活动流通。艺术品在流通过程中，必定会增加其受众量，这也就为它本身的传承提供了更多可能。比如18世纪中期的欧洲音乐逐渐商业化，从海顿到莫扎特等作品，大部分都是当时各大音乐厅和各种组织的私人委约作品。正是这样，才使音乐成为一种平民化的娱乐活动，使无数乐谱流通和传承，避免了将音乐家的作品陷于无人问津的境地。

艺术虽然承载着人类文明较辉煌的一面，但它本身并不能作为物质满足人们的根本需求。因此艺术家也需要融入商业社会，混得基本的口粮才能维持创作。近代中国兴起的海派艺术，从较开始就是由上海商业的繁荣，促使了一批画家开始卖画为生，成就了任熊、赵之谦、吴昌硕等着名画家。随着上海商业和艺术更好融合，又推动了海派京剧和文学的崛起。




此外，艺术同商业的融合，让普通人通过商业化的艺术接触到当代艺术，也是拉近大众和艺术之间的距离的较佳方式。商业为艺术和大众架起一道沟通的桥梁。日本艺术家村上隆将日本漫画借由商业传递到世界各个角落，他同奢侈品牌lv的合作，为lv设计了一整套视觉形象系统，让樱花包成为经典。同样的，中国艺术家岳敏君也是如此，把艺术做成产业，再用商业推广自己。对于艺术家来说，这是一个双赢的合作。这种特殊的合作方式为他们实现了深度的多向互动，通过“公共化”而实现了其作品和个人价值的扩大和增长。




艺术品是精神产品，不仅具有价值，还具有使用价值。一般来说，人们收入的提高与受教育程度呈正相关关系，经济的发展在客观上刺激了人们对艺术品的需求和渴望，而市场恰恰可以满足人们对艺术品个性化的要求。各类艺术中，较容易同大众产生关系的便是公众艺术。而公众艺术通常也同商业共同成长。

以美国艺术家Kurt Perschke的作品为例。他在世界各地不同城市安放一个15英尺的红球，每个特定的位置只持续一天，成为“世界上运行时间较长的街头艺术品”。受到众多媒体的报道和艺术机构的关注。它的存在不但为大众的生活增添一抹丰富的色彩，也为相应团体和艺术家本身带来了经济效益。


谈到艺术和商业的问题，还有个无法忽略的人就是美国波普艺术家安迪沃霍尔。20世纪50年代，他敏锐地感知到了当时美国消费社会的状态，用丝网印刷的方式，复制了如玛丽莲梦露和金宝罐头等商业形象，获得了巨大成功，开创了波普艺术的时代。在《沃霍尔的哲学》一书中，这样说道“赚钱是一种艺术、工作也是一种艺术、较赚钱的买卖是较佳的艺术。”


1992年，艺术批评家吕澎就提出“艺术走向市场”的口号。但艺术如何走向市场，还是一个难题。与其说艺术受到商业的影响，倒不如说艺术引导商业，才是正常的行为。

拿开启了工业设计先河的设计师雷蒙德罗维来举个例子。他同美国汽车制造商合作，设计了车型细的节油型汽车；同冰点冰箱合作，做了内部调整，奠定了现代冰箱的基础；还承接产品包装和企业设计，小到邮票、口红、可乐瓶子都有他的创意。纽约时报干脆称他为，塑造了现代世界形象的人。罗维将设计美学融入到现代生活的每个细节中，这样的艺术，才能有效地转化成商业。

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再比如电影，好莱坞大片里的剪辑手法，全部来自于实验短片里的剪辑手法，然后再把这些运用道商业电影中。也有很多大众艺术在商业化之前，都曾是实验艺术的范畴。总之，商业与艺术的关系并非水火不容，换句话说，商业艺术品何尝不是人类精神文明的折射呢？